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Estudiante de la lengua de Shakespeare, aporta al sitio en la lengua de Cervantes pero se muerde su propia lengua escribiendo clichés y frases que le parecen bonitas.

Entrevistamos a: Cómo Asesinar a Felipes

LOUD.cl se reunió para conversar con Seba y Felipe (bajo y batería) de Cómo Asesinar a Felipes, la banda chilena que se atreve con su mezcla de rap, jazz y otras hierbas. Hablamos acerca de su evolución mediante sus discos, su paso por el empobrecido Haití, su visión de la música chilena actual y mucho, mucho más. A continuación, la amena charla con los muchachos.

· ¿Qué influencias llevaron a crear el sonido de Cómo Asesinar a Felipes?

S: La respuesta es super amplia. En cuanto a bandas va para todos lados: jazz, cierta parte de la música docta, harto rock. Si se mezcla todo eso uno llega a fusiones que ya existen y nuestros gustos son bastante extensos. Todos venimos de diferentes lados, pero igual a los que, por ejemplo, les gusta el rock también les gusta el rap y a los que les gusta el rap también el rock.

F: Ese es el punto de encuentro de la banda, yo lo definiría como ecléctico. Nadie de la banda es de una sola línea musical.

S: El Mínimo Común Denominador es el hip-hop.

· ¿Podrían definir cada disco con una palabra, frase o concepto?

F: Siempre decimos que en el primer disco botamos todo lo que teníamos. Una explosión sonora.

S: El segundo yo diría que es lúdico…

F: O conceptual.

S: Y para definir el tercero yo ocupaba la palabra “apacible”.

F: El tercero nació como respuesta al segundo. Luego del concepto de “Un Disparo al Centro” buscamos lo apacible.

· ¿Cuál consideran como la mayor diferencia entre entrar a grabar un LP como banda por primera vez en su homónimo y el llegar a grabar el tercero, Colores y Cadáveres, con más experiencia?

F: Todos los discos los hemos grabado de la misma forma: en un día, por asuntos extra-musicales. Aunque según yo, en la grabación del primero estábamos más ansiosos.

S: No creo que haya tanto que analizar porque, y creo responder por todos, el día de grabación es un día más. Grabar y chao. No es que no ganes experiencia, pero tampoco es ganar caleta.

F: Grabamos un par de veces cada  tema y después elegimos el que mejor quedó. No nos gusta quedarnos tan pegados en el asunto del estudio. El segundo lo hicimos en dos días porque grabamos a la orquesta en un día y a nosotros en otro.

· ¿Cuales son sus temas regalones?

S: Me gustan mucho Caen, Disparo al centro y Alerta Roja

F: Creo que Disparo al centro es una de las favoritas de la banda…Operación CAF también. A Marco (pianista) le gusta mucho Influencia, el primer tema que alguna vez hicimos.

S: En la banda algunos dicen que el mejor tema que hemos hecho es El recurso popular más valido.

·¿También les pasa que en cierto punto se aburren de tocar algunos temas?

F: Nos pasó con Influencia que lo venimos tocando hace mucho, desde que empezamos. Es como nuestro Creep (Radiohead).

Alerta roja – Como Asesinar a Felipes – CAF – PTC004 by Potoco Discos

Operación CAF by Como Asesinar a Felipes

· ¿Cómo ven el panorama actual de la música Chilena? Nombraban a Nano Stern y Angelo Pierattini entre sus discos favoritos de 2011. (Artistas chilenos eligen lo mejor de 2011 en LOUD.cl)

F: El otro día, para una entrevista con La Tercera junto a otros músicos chilenos destacados del 2011 alguien dijo algo muy cierto: “Acá hay escena musical y funciona”. Los cantautores o trovadores y la cumbia tienen mucho éxito y llenan, por ejemplo. Y a pesar de que nosotros o bandas mas rockeras quizás no podamos decir lo mismo, existe una escena para todo. Hoy mismo por ejemplo, si miras el diario, hay cuatro tocatas a donde ir. Eso significa que hay locales, bandas, existen opciones.

· Volviendo al tema de las mezclas sonoras ¿Cómo ha sido trabajar con otros artistas como Ana Tijoux o Álvaro España?

S: Entretenido. Le da aires a lo que es tocar en una banda, refrescan el ambiente. Es como un dulce dentro del grupo. Además de ser un honor el compartir escenario con alguien a quien admiras.

F: Además nos gusta romper esquemas. Por eso mismo trabajamos con Álvaro España, que es un personaje de la música chilena. No nos gusta solo relacionarnos con raperos o jazzeros, que sería lo más obvio. Hemos tocado en vivo con Nano Stern, Angelo Pierattini y Gepe, por ejemplo.

·¿Los samples de voz que usa guardan relaciones estéticas o de contenido con el tema donde están puestos? ¿Algún dato curioso acerca de alguno?

S: Yo diría que ambas. En estricto rigor esto lo debería responder DJ Sp@cio (DJ de CAF).

F: Se relacionan harto con la letra, con lo que habla Koala (Contreras, vocalista). Se trata de apoyar lo que quiere transmitir el tema.

S: Y hay miles de datos acerca de estos. Está el Che Guevara, Julio Cortázar, Santiago Pavlovic…a mi me produce admiración el trabajo hecho por Sp@cio. Como que le puso una cáscara a todo, lo apretó y lo encerró. Siempre nos sorprende con lo que hace.

F: Le da el palo al gato siempre. Él trabaja después de que están listas las canciones y le significa un proceso desgastante. Pasa noches y noches en vela en su laboratorio buscando la formula exacta. De hecho, imagínate un laboratorio con tubos de ensayos, saliendo humo… (risas). Ahí es donde él crea. Por ejemplo, en una introducción de Un disparo al centro hay un sample de una entrevista a Rubén Blades hablando de un disco que justo se asemejaba a lo que queríamos transmitir y que luego incluso la mostramos cuando nos presentamos en Panamá (país de origen de Blades).

·Ahora que nombran su visita a Panamá, ustedes también fueron a tocar a Haití. Me imagino que eso debe haber sido de cierta forma chocante… ¿Notaron una realidad tan cruda como lo que se dice de Haití? (Nota: CAF fue a Haití antes del devastador terremoto).

S: En verdad estábamos en un hotel que era la raja, pero claramente lo notamos.  En la vivencia también se nota su realidad.

F: A nosotros la embajada nos contactó con un rapero haitiano que nos llevo a conocer el ghetto más peligroso, que se llama Cité Soleil.

S: Donde no va gente blanca…nadie va para allá, de hecho.

F: Cuando fuimos a visitar a su familia pasaban tanquetas de la ONU con metralletas. Este amigo rapero es sociólogo y nos explicaba los negocios oscuros que hace la ONU, que por estar en un lugar de semejante peligrosidad obtienen mayor presupuesto, entonces a ellos les conviene que Haití siga así. Por eso mismo fue chocante conocer eso y luego, por ejemplo, tener que tocar para las autoridades…nos tenía enojados.

S: En un pub ultra cuico con pura gente poderosa. Vimos las dos realidades.

· ¿Cómo describirían un asesinato para quienes nunca los han visto en vivo? ¿Qué relalación tiene con la letra “Como un monstruo de grupo que quiere comerte, quiere tocarte”( de Operación CAF)?

S: Pucha, podría estar el Koala

F: Yo me la sé, si yo entrevisto al Koala (risas). Esa letra no habla de los conciertos, sino específicamente de tomarnos la radio, que es simbolizada por una puta que queremos que no nos haga la desconocida. Ahora, los conciertos son la esencia de la banda. Tocamos harto y la mayoría de la gente nos encuentra mejor en vivo que en muerto. Ahí explotamos. El mismo Billy Gould (Faith No More, Koolarrow Records) nos dijo que en vivo éramos mucho más crudos de lo que él se había imaginado.

·Finalmente, ¿Qué planes tienen para el futuro? ¿Grabar un nuevo disco? ¿Lanzar más joyitas como el tema del Museo de la Memoria (“El recurso popular más válido”)?…

S: Estamos haciendo temas para un disco nuevo. Seguir tocando también, pero más que nada estamos enfocados en crear música nueva, alimentar la cabeza…

F: Quizás incluir ese mismo tema en el disco nuevo, porque marcó hacia donde vamos en este momento.

S: Es como la piedra angular del nuevo disco.

F: En cuanto a tocatas, tenemos  en el Bar Loreto (13 de enero) y en El Clan (18 de enero).

Conversamos con: Cellophane Folks

LOUD.cl tuvo la chance de conversar con Cellophane Folks, banda dividida entre Chile y Argentina, representantes del garage rock en esta -a veces- olvidada parte del mundo, musicalmente hablando. Los chicos nos contaron sobre sus influencias, la experiencia de tener parte de la banda viviendo allende Los Andes y cosas como la decisión de transmitirnos sus sonidos acompañados por líricas en inglés. Eso y mucho más, a continuación, con Cellophane Folks.

¿Cuándo y cómo empezó Cellophane Folks? ¿Con cuánto material cuentan hasta el momento?

 Alrededor de Abril de 2010, Alex se encontraba buscando gente para armar un proyecto musical; así se reúne con Arturo (ex bajista) y Diego (guitarra y voz) dando luces a la primera formación de la banda. Tras componer ya 3 canciones, ya listas para ensayarse en una sala, se une Damian (guitarra) y los ensayos en el departamento de Arturo se trasladan a la sala de la vna (de la SCD), y a falta de baterista, suplíamos eso con samplers programados desde un macbook. Tras motivos personales, Arturo deja la banda y se unen Piero (batería) y Adán (bajo) para completar la actual formación de la banda. Contamos con un LP de 9 canciones (disponible para su descarga gratuita desde http://cellophanefolks.bandcamp.com ) y nos encontramos trabajando en un siguiente disco con nuevo material y una onda totalmente fresca, ya despegándonos de tantas influencias y en busca de un sonido más propio y original.

¿Cómo definirían la música de Cellophane Folks?

 Es difícil autodefinirse, creemos que básicamente es acerca de lo que somos, una especie de carnet de identidad que refleja en acordes quienes somos.

 Háblennos un poco de sus influencias, de todo tipo (fuera de lo musical también).

 En general es todo lo referente a bandas tanto de antaño como actuales que sean de EEUU como de Europa. Sabemos bien que en este primer disco se escucha mucho de garage rock gringo y británico como lo es The Strokes, Bloc Party, Arctic Monkeys, The Libertines, Oasis e incluso de bandas como Joy Division o Johnny Thunders. Fuera de lo musical, nos basamos en lo que nos mueve por hacer música: relaciones amorosas, experiencias entre amigos, fiestas, etc.

 

¿Hay algún músico o banda que puedan llamar un “ídolo”? Más grande que cualquier otra influencia.

 Mmm…, creemos que cada uno en sí tiene su propio ídolo o banda preferida para sacar referentes o influenciarse, sin embargo todos admiramos la carrera y todo lo logrado por David Bowie, lejos el mayor referente musical que tenemos.

 

 

¿Tienen bandas favoritas con las cuales compartir escenario?

 Actualmente tenemos buenas relaciones y hemos compartido escenario con los chicos de Yo no habla espaniol, la cual fue una experiencia muy grata. Hemos estado conversando con Lalet de HEY¡, Seba de We are the grand, los chicos de Howlers y Fabrizio de Oh Margot para lograr próximamente fechas y colaboraciones.

¿De dónde nace la idea de escribir en inglés?

 Siempre hemos escuchado música en inglés, porque no hacerlo nosotros. Posiblemente lo hicimos pensando en lo global que es el idioma y la proyección que nos daba haciéndolo de esta forma. Aun así no descartamos la idea de hacer temas en español.

¿Es cierto que algunos integrantes residen en Argentina y otros en Chile? ¿Cuáles han sido los pros y contras de este hecho?

 Alex se encuentra actualmente viviendo en Buenos Aires por motivos de estudios, pero aun así viene constantemente a Chile. Quizás nos dificultó en un principio por motivos de ensayos y lograr fechas, pero terminó siendo beneficioso ya que el por su parte nos movió y promociono mucho por ese lado del continente, ampliando el público oyente que tenemos. Ya tenemos fechas de hecho para Febrero de 2012 en Buenos Aires. Así mismo también tenemos relaciones hacia Australia y Nueva Zelanda, lo que nos abre la posibilidad de seguir expandiéndonos a nivel internacional.

 

¿Creen que hay demasiada diferencia entre la escena musical independiente chilena y la Argentina?

Claramente aquí en Chile es difícil ser músico. En Argentina más que ser una movida, es que se generan más recursos y se da más  cabida, además que es un país más grande y numeroso en personas. Sin embargo últimamente en Chile, se ha generado un crecimiento notable en cuanto a la escena independiente lo cual nos favorece mucho a todos los que estamos hoy por hoy haciendo música.

 ¿Cuáles son los planes a futuro de Cellophane Folks?

 Estamos componiendo y generando ideas en busca de un sonido propio y distintivo para el nuevo disco, pretendemos prontamente grabar videoclip para los singles del primer disco y editarlo en físico tanto en Compact disc como en Vinilo LP.

 Finalmente ¿Dónde podremos verlos en vivo próximamente?

 Por ahora no tenemos ninguna nueva fecha concretada, además venimos de una seguidilla de 3 shows casi consecutivos en 2 semanas. Por el momento estamos concentrados en la composición del nuevo material, hacer las fotos oficiales de la banda, ver qué sucede con la grabación del videoclip, pero aun así es posible que salgan shows para la semana siguiente al 15 de Diciembre y una gira nacional que está en vista aún para Enero y Febrero 2012.

Fotos por Ximena Gloor

DIR EN GREY, Tour 2011 AGE QUOD AGIS @ Teatro Caupolicán

Cuando estallan gritos y chillidos ensordecedores del abanico de personajes más freak que puedes encontrar en un concierto y de a poco ingresan los miembros de una banda, encabezados por un pequeñísimo japonés que usa una máscara entre kabuki y El Grito de Munch, sabes que estas por presenciar un show fuera de lo común, por una banda que se sale de las convenciones regulares.

Bastaron dos años para que DIR EN GREY regresara a suelo chileno: Nuevo disco, nueva campaña en contra del silencio de su gobierno y un nuevo show que esperaba contentar a la fanaticada nacional.

DIR EN GREY -para los que no cachan- es una banda japonesa que toma diferentes elementos de lo más pesado del metal, experimenta con ello y lo funde hasta crear una mixtura entre desenfreno y extrañas atmósferas. Volvieron a Chile el 23 de Noviembre para presentarse en el teatro Caupolicán, bajo su gira AGE QUOD AGIS, promocionando su disco DUM SPIRO SPERO (Mientras respire, tengo esperanzas).

El reencuentro con la banda empezó puntualmente, cerca de las 20 horas, siendo teloneados por la banda estadounidense de “metal alternativo” suenan un poco como la música de entrada de luchadores de la WWE 10 years, quienes cumplieron con su cometido a cabalidad, entregando un show de duración precisa que tuvo a los asistentes que se encontraban a esas horas en el teatro (que no digamos que estaba repleto) con el ánimo prendido hasta el momento que llegara el plato principal.

Siguiendo con la puntualidad de relojería suiza (bueno, en este caso nipona), DIR EN GREY aparece en el escenario del Caupolicán bordeando las 21 horas. Lo primero y más importante es destacar que siempre cumplen con lo que se espera de sus shows. El quinteto realmente pone su energía en que la gente aprecie y entienda su evolución musical y conceptual en lugar de hacer un concierto fácil, lleno de hits. Ponen un montón de sus temas nuevos en su setlist (no todas las bandas se arriesgan igual), añaden temas antiguos pero adaptados a su actual sonido y generan una atmósfera donde todo calza, desde sus movimientos hasta el juego de luces.

Durante la hora y cuarenta y cinco minutos que duró el show, DIR EN GREY exhibió demostraciones de metal experimental de la más alta calidad (y créanme, ODIO el metal, pero estos tipos son deidades) con canciones como Amon y The Blossoming Beelzebub del DUM SPIRO SPERO. En temas como estos, la banda demuestra su increíble poderío técnico, sobre todo en las cuerdas y las habilidades de cambios de ritmos que están presentes en su última entrega.

Si bien, la banda no se caracteriza por ser de conciertos hits, si son maestros en entregar sorpresas. Así fue como luego de un interludio vocal de kyo, reminiscente a mantras budistas, ejecutan Mazhoyst of decadence (error de deletreo de la banda) y Tsumi to batsu (Pecado y saliva), directamente desde su primer disco, en versiones remozadas y en acuerdo a los setlists actuales del grupo japonés.

Además de lo destacado anteriormente, pudimos apreciar canciones que hicieron vibrar poderosamente al (lamentablemente no lleno) Caupolicán como la imposible Hageshisa to kono mune no naka de karamitsuita shakunetsu no yami (Con violencia, la oscuridad quemante torció mi corazón), una nueva y odiada por algunos versión de su clásico Obscure (pero no andemos con cosas, en vivo todo se goza) y Different Sense. Todas estas canciones son una perfecta muestra de cómo kyo es una de las voces respetables a nivel mundial dentro de su género, viajando sin problemas desde death growls increíblemente bajos a gritos de altas frecuencias, paseando por secciones recitadas y otras suavemente cantadas.

El concierto cerró con un encore que finalizó con la agresiva Rasetsukoku (País demoníaco), que terminó por satisfacer al no muy masivo, pero fiel público de DIR EN GREY. Sumando y restando, el show del quinteto fue impresionante, tanto técnica como interpretativamente (5 jumbitos al teatral kyo, el hombre que no ríe), pero el Teatro Caupolicán pudo no haber sido el mejor recinto si recordamos el concierto en el Court Central (con pantallas LED gigantes y toda la parafernalia). También quisiéramos dedicar una línea al sonidista que arrasó con nuestros tímpanos con su ecualización de bajos (el bombo y el bajo eran Hiroshimas y Nagasakis en las orejas). Esperemos que a pesar de la poca afluencia de público, DIR EN GREY se marchara de nuestro país con una nueva buena impresión por la recepción de su trabajo y sigan deleitándonos con su música y presentaciones a nivel mundial.

fotos por @Cristolas

Entrevista: Conversamos con Tenemos Explosivos

Un nombre como Tenemos Explosivos puede sonar de entrada como una amenaza, pero luego de ponerte en contacto con su música termina pareciendo más una declaración muy bien pensada. Una declaración acerca de tener un cierto poder y de la voluntad de usarlo para conseguir lo que se desea. Si desde ahí creamos un paralelo a la música de estos Santiaguinos (definida por ellos en su página de Facebook como una mezcla entre Canción popular melodramática, Postpunk y Big Beat), es algo que nos puede hacer sentido si tomamos en cuenta la inmensidad lírica, los constantes juegos de guitarras que varían entre lo armónico y lo rítmico de manera dinámica y la sólida sección rítmica bajo-batería con la que cuentan. Sencillamente, Tenemos Explosivos, tienen la fuerza para instalar en sus auditores el mensaje que desean, a la vez comprometiéndolos en una participación enérgica al momento de topárselos en vivo.

Luego de haber lanzado su EP “Intervención Enérgica en los Asuntos de la Nación” (2010), la publicación de un DVD en vivo llamado “Esquemas de Replicación (opinión·pública·uniforme)” (2011) y la constante presencia en tocatas del circuito ligado al hardcore mas sesudo (junto a bandas como Luxemburgo, Bravo Bravo y La Belleza de las Flores Muertas), Tenemos Explosivos se dedicó por completo a la grabación de su primera larga duración, llamado “Derrumbe y Celebración”, ad-portas de ver la luz para la felicidad de todos quienes gozamos con la escucha de esta banda que nos habla de temas tan vitales como la preservación de la memoria de los hechos que nos han dañado, formado y que siempre nos acompañarán.

El vocalista y letrista de la banda, Eduardo Pavez, se tomó un tiempo para respondernos algunas preguntas acerca de la grabación de “Derrumbe y Celebración”, el futuro de la banda y su visión acerca de la relación entre la juventud y la música, entre otras cosas.

 

  • ¿Cómo ha sido trabajar por primera vez en un larga duración?

Intenso. Es un proceso agotador no sólo por tener que grabar largamente y trabajar cada sonido (al contrario del EP, que lo grabamos en vivo, salvo las voces para que sonaran más claras) sino también porque hay una presión de que aquello que suene será la forma en que los temas se darán a conocer en su forma final. Cada detalle está cuidado. Sobretodo pensar en el arte, en el sonido final. El proceso de masterización y mezcla ha sido, por lejos, lo más pesado.

  •  ¿En qué sentido es similar el contenido que pudimos apreciar en “Intervención Enérgica…” a lo que encontraremos en el “Derrumbe y Celebración” y en qué se diferencia?

Es similar porque están todas las canciones del EP, más las canciones del DVD, más temas nuevos. Muchas canciones ya son conocidas, pero ahora se escuchan como siempre soñamos que sonaran. Hay más detalles de composición, algunos arreglos en las voces. Pero fuera del sonido, lo que sí tiene este LP, es una explicitación gráfica y textual sobre las canciones, que en el EP sólo se descubría mediante el sonido. Ahora el disco tiene cada canción con su aproximación a la temática que trata y está enmarcado en imágenes que dan cuenta de la totalidad del disco. En otras palabras, el cierre conceptual está mucho más trabajado.

  •  ¿Cómo ha sido la recepción por parte del público de los temas nuevos que han presentado en vivo?

Es muy difícil para el público discernir cómo es un tema nuevo. Es como ver los primeros dos minutos de una serie y preguntar si te gustó. Creo que los temas toman tiempo y requieren asimilar el trabajo lírico para abrazarlos totalmente. De todas maneras, algunos temas ya no son nuevos del todo y algunas personas hasta los reconocen. Un buen ejemplo es “El mejor jugador del fuego”, tema que llevamos tocando desde hace varios meses en vivo, y aunque teníamos una versión de estudio previa al disco, nunca la lanzamos porque seguíamos afinándole detalles. Ahora que está en el LP, el tema cambió notablemente.

 

  • ¿Cuáles crees que son las principales limitantes que enfrenta una banda que graba de manera independiente y a pulso un disco completo?

Primero y más importante, el dinero. Grabar un disco es carísimo. Y hacer que ese disco suene como siempre has querido es aún más dinero. Para apalear estos gastos, sacamos más copias del EP, poleras, DVDs y todo el dinero que hemos juntado en las presentaciones en vivo. Lo que ha salido de nuestros bolsillos, afortunadamente, ha sido muy poco. Pero eso es sólo porque hemos hecho planes muy rigurosos para conseguir el financiamiento mediante métodos alternativos. Entonces, fuera de lo económico, la segunda limitante es técnica: hay muchas cosas que deben contemplarse antes de entrar a estudio y que una banda no contempla: ensayar con metrónomo, tener los cables en perfecto estado para no tirar ruido, ensayar a volumen muy moderado, cosa de controlar el sonido lo mejor posible, conseguir equipos para grabar. En los videos del diario de grabación se ve que tenemos una infinidad de pedales para usar, pero el 90% de ellos son de amigos y conocidos, que nos prestaron todo su equipo para buscar ese sonido que necesitábamos. En la práctica, lo más difícil es armarse (económicamente, técnicamente y en términos de equipamiento) para entrar al estudio.

  •  ¿Creen que con este nuevo material será posible que Tenemos Explosivos alcance un segmento de público más amplio o no es algo que les quite el sueño?

Cuando se está invirtiendo tanto tiempo en dar a conocer algo (una película, un disco, un libro o lo que sea), hay un interés en que ese algo que tanto quieres y crees que vale la pena, llegue a mucha gente. Sin embargo no es una ambición de “abrir nuevos públicos” o “tocar en lugares más grandes”, sino es el interés natural de querer compartir algo. Si ello acarrea que más gente nos escuchará o personas que no tenían un interés particular en este estilo les resulte interesante, bienvenido sea. Pero no es el objetivo. El fin es más sincero.

  •  ¿Cuál es tu sensación con respecto a que música con un mensaje más pensado y un trabajo más cuidado (como las bandas con las que suelen compartir escenario y ustedes mismos) no lleguen tan ampliamente a los jóvenes como si lo logran productos  desechables que poco o nada les aportan?

Creo que la clave en la pregunta está en esa última palabra: “aportar”. ¿Qué aporte busca alguien recibir cuando escucha música? La gente que nos escucha a nosotros y a las bandas con que compartimos escenario busca un aporte, primordialmente, intelectual. Pero no podemos esperar que esa búsqueda y ese interés sea de todo el mundo. La mayoría de las personas buscan que la música les aporte “sentirse bien” o que les haga compañía amena. Creo que no es bueno caer en la trampa de pensar que hay música más y menos profunda, porque la profundidad es subjetiva y depende del contexto en que se aplique, pero sí podemos hablar de música que sirve a fines distintos. Nuestro fin es la reflexión, la denuncia y la memoria. Si tu fin es pasar un buen rato y escuchar tonadas que puedas cantar en una fiesta con tus amigos, o una canción con la cual puedas bailar en la disco, claramente no seremos de tu interés. Y es que ese es el interés de la mayoría de los jóvenes. Nosotros no cumplimos ese objetivo (con cierto orgullo), por lo tanto, no cumplimos la expectativa de “la mayoría”. No hay nada de malo en ello. Lo malo sería alienarse y querer cumplir ambas cosas. Hacer la música que estamos haciendo, con el fin que tenemos, y pretender que la mayoría lo acepte. No podemos obligar a nadie a cambiar sus intereses. Sólo podemos invitar a escuchar. Si no se condice con su búsqueda, al menos cumplimos con presentar el material.

  • ¿Para cuándo tienen planeado lanzar el disco?

Soy el menos indicado para responder eso, porque las fechas cambian todo el tiempo. Sé que el disco saldrá a la venta dentro de muy poco. Ya fue enviado a hacer. Estamos terminando de ajustar la master para sacar las copias. Ahora el lanzamiento oficial queremos hacerlo para cuando ya el disco esté dando vueltas y lo hayan escuchado. No queremos lanzar el disco y tocar los temas nuevos sin que nadie los conozca. Bajo esa perspectiva, el lanzamiento será el próximo año, pero la venta del disco será dentro de éste.

  • · ¿Cómo planean promocionarlo? ¿Visitarán más ciudades de Chile o con un régimen intenso de tocatas?

Antes de movernos por Chile (que es lo que más queremos) necesitamos recuperar parte de lo que gastamos en el disco, para poder pagar el transporte y estadía. Ahora que tenemos más tiempo y salimos del estudio, nos vamos a presentar al menos una vez al mes. Esa es la idea. Y desde ahí presentar los temas y hacer todo el ruido posible apenas comencemos a vender el disco. Pero respecto a un plan acabado de promoción, me temo que no hay nada saldado. Primero tendremos el disco en las manos y luego veremos cómo hacerlo girar.

 

  • ¿Qué opinas de la libre difusión por parte de los artistas de su obra? ¿Han considerado dicho método para promover su música?

El problema de difundir gratuitamente todo el material es que alguien debe pagar por la grabación, masterización, traslado de equipos y diseño. Y como nuestra situación económica no es acomodada en lo absoluto, no cabe en nuestra posibilidad realizar ese nivel de gasto. Grabar el disco significó desfinanciar la banda y necesitamos recuperar ese dinero si queremos sacar otro disco y no quedarnos sólo con un LP. Sí hemos conversado mucho sobre tirar material a la red sobre diferentes versiones de los temas (acústicas, por ejemplo) o subir material que no se venda, sino que se reparta en línea, pero por ahora el norte es recuperarnos y cuando eso esté, ver opciones. De todos modos, tenemos claro que el pirateo y la distribución mano a mano será inevitable y es una forma indirecta de aceptar la difusión evidente del disco. Aun así, es un acto positivo, porque personas de otros países podrán escuchar el material sonoro y acceder a él de una forma que, físicamente, sería muy costoso.

  •  Finalmente ¿Cuándo podemos verlos en vivo y cuáles son los planes a futuro para la banda luego de la salida del disco?

En vivo nos veremos el 18 de Noviembre y luego de eso estamos viendo fechas, todavía. De todos modos, ya estamos componiendo temas nuevos, trabajando diferentes sonidos. Toda banda evoluciona a medida que lanza material, y creo que eso está pasando con Tenemos Explosivos, que ya luego de este disco tenemos ideas nuevas y melodías a trabajar. Nuestra meta es el próximo año lanzar, por lo menos, otro EP. Pero primero tenemos que ver cómo es recibido “Derrumbe y Celebración”, y cuando las fichas estén sobre el tablero, pensar dónde moverlas. Mi esperanza es que el disco guste tanto como nos gustó a nosotros hacerlo. Creo que suena excelente: la calidad de la grabación es de altísimo nivel y el trabajo detrás de él ha sido extenso. Creo que tanta dedicación será transparente, pues cuando escuchen las canciones y vean el trabajo textual y gráfico, comprenderán por qué estuvimos tanto tiempo trabajando en esto.

Nota: Luego de esta entrevista, Tenemos Explosivos confirmó en su página de Facebook que el disco estará a la venta a partir del 19 de Noviembre. Atentos a mas información.

Entrevista: Conversamos con Natisú

Empieza a sonar ‘Relato entre paréntesis de Natisú por primera vez desde mi reproductor. El ritmo de la primera pista me convence. Lo primero que pienso es: Esto no lo he escuchado antes.  Empieza a cantar y la extrañeza aumenta. Sin duda no es otra Francisca Valenzuela, pero tampoco piense que va a sonar una Javiera Mena. Sencillamente, Natisú no es del montón y su música habla por ella. Desde ahí, esos 2 minutos invertidos en escucha ya tienen un sentido. Esto promete.

Natisú (Natalia Suazo, 28), oriunda de Temuco pero criada en Santiago, nos impacta con su EP debut “Relato entre paréntesis” de 2011, un corto orientado al uso de su voz, guitarra y programaciones que generan murallas profundas de sonido por doquier. Tratar de clasificar su música es quedarse corto de antemano puesto que, si bien visita lugares musicales que te enganchan, sabes que no es ‘pop’ lo que escuchas y que lo que te entrega abarca musical y líricamente temáticas profundas, oscuras y reflexivas que distan de etiquetas rígidas, simplistas y comunes.

La verdad es que esta chica puede hipnotizar a su auditor. Su voz funciona de manera perfecta con su sonido, el que parece en primera lectura simple (por los elementos mencionados más arriba), pero es avasallador si te entregas a la escucha de sus particulares creaciones. Un ejemplo claro sería el track, ‘Hay que volver’ (número 3). Acá vemos toda la evolución de su música, donde empieza con una voz que sugiere calma, disolviéndose hacia algo más etéreo al llegar a la mitad y terminando con el remarque poderoso en su final de las palabras “debo volver”, todo esto en solo 2 minutos, dejando de lado todos las convenciones comerciales.

Natisú llamó la atención de LOUD.cl por un cruce en twitter, obtuvimos sus demos y “Relato entre paréntesis” por libre descarga (así es, la música se ha vuelto de todos y esta chica lo sabe) y además se tomó un tiempo para contarnos un poco más sobre ella. Atentos en la lectura para enterarse acerca de su primer LP, ‘Deshabitar’, que llegará a sus oídos muy pronto.

·Dinos algo que creas que pueda ser útil para acercarnos al contenido que encontramos en tu EP, ‘Relato entre paréntesis’.

Este EP habla sobre un tema muy íntimo. Las letras nacen de una misma temática, por eso todas las canciones están tan conectadas. Lo hice por necesidad emocional, y también musical, necesitaba plasmar un trabajo sola, sin banda y sin productor. Me gusta mucho trabajar con la banda, pero también me gusta mucho trabajar sola.

Se puede apreciar aquí la diferencia estética. Por lo general al trabajar completamente sola, recurro a bases electrónicas, y texturas sencillas y vocales. Es muy minimalista. Ahora creo que estoy empezando a llegar a un equilibrio entre ese tipo de trabajo, y el formato banda.

 ·¿Qué influencia tus creaciones?

Por lo general hablo sobre experiencias personales emocionales, o sensaciones abstractas. Ese ha sido el tema recurrente hasta el momento, pero ahora estoy tratando de expandir las temáticas literarias. A veces también me veo influenciada por una frase, una imagen o una conversación, pero siempre hablo desde lo que eso me provoca.

Musicalmente, cuando escucho algo que me llama la atención, por lo general me quedo pegada en algún arreglito del tema, no sé, una melodía de la guitarra, o una percusión, algo pequeño, y muchas veces, eso me lleva a hacer una canción entera, como una especie de homenaje a ese gesto. Escucho harto y me influencia mucho la Pj Harvey, Radiohead y Portishead, principalmente. Pero escucho mucha música, y dejo que me influencien. Ahora estoy muy pegada con un disco de Caetano Veloso, Cê, lo ultrarecomiendo.

·¿Cuáles crees que son las diferencias más significativas entre lo que hemos escuchado en Relato entre paréntesis y lo que podremos apreciar en ‘Deshabitar’?

Deshabitar tiene más capas de trabajo, de producción musical. Relato, es más visceral, fue más inmediato, hice las canciones en un par de días, y las grabé en una noche. Para Deshabitar el trabajo fue mucho más largo, con el Angelo (Pierattini), y antes con toda la banda, hicimos harto taller, de arreglos, de producción, todos le entregaron su parte a cada tema. La diferencia clara es el formato, Deshabitar es con banda de rock, y la mayor parte de los temas son rockeros, alternativos, pero rockeros. Relato es más folk quizás, o electrónico, no estoy segura.  En fin, la diferencia es clara. Como dije antes, me gustan ambos procesos, y quiero desarrollar ambos.

·¿Cómo nace la idea de compartir lo que has hecho hasta el momento de manera gratuita por internet? ¿Lo seguirás haciendo?

Nunca lo pensé mucho, he tenido algunas conversaciones sobre la distribución gratuita en internet, pero cuando decidí hacerlo, no lo pensé mucho. Sólo quería que lo escuchara harta gente, y hace rato que la gente no compra música, a menos que seas Américo o Michael Jackson. Eso no significa que no quiera una retribución por mi trabajo, pero me pareció una buena forma de aproximar mi música a gente que no me conoce. Deshabitar lo quiero subir para escuchar entero, pero no para bajar. Lo quiero vender lo más barato posible, me interesa que la gente que lo quiera tener, lo tenga. Que lo escuchen, y luego vayan a las tocatas. Que vayan, eso es lo que me importa.

·¿Has trabajado o estás trabajando actualmente con algún otro músico? ¿Hay músicos de la escena nacional que te llamen la atención?

Por ahora sólo estoy trabajando con la banda; Diego Ormazábal (batería), Antonio San Martín (bajo) y Rodrigo Morel (guitarra eléctrica). Y sola también, quiero tener un buen formato sola. Me interesa mucho el trabajo que está haciendo Felipe Cadenasso, me encanta su disco solista. Tenemos muy buena onda, y hemos hablado de hacer algo juntos, pero nada concreto. Me gustaría hacer algo con Silvio Paredes también algún día, algo hemos hablado también, pero, de a poco. Me gusta mucho también el trabajo de AirelavaleriA, y de La Molestar Orquesta. Y hace poco estuvo Dadalú en el ciclo que hago en mi casa, y me gustó muchísimo.

  ·¿Ciclo en tu casa?

Desde enero de este año hago un ciclo musical en mi casa llamado “Ciclo Mi casa es su casa”. Invito a músicos de todo tipo, en formato preferencialmente acústico, para que toquen frente a 50 personas en el living-comedor de mi casa. Primero lo iba a hacer sólo por unos 4 meses, pero no he parado porque está cada vez más interesante, y cada vez más gente quiere tocar. Se han presentado músicos como Felipe Cadenasso, Javier Barría, Angelo Pierattini, Juga Di Prima, y muchos otros. Para la próxima (el pasado 5 de Noviembre, la entrevista fue realizada con anterioridad) se viene Jaco Sánchez (proyecto solista de Pablo Ilabaca), Francsica Meza y SerKimono. Trato de mezclar dentro de lo posible a músicos emergentes con músicos con más trayectoria, para que compartan público.

·¿Cuáles son las fechas de tus siguientes presentaciones?

Toco el 25 y el 27 de Noviembre en Valparaíso, pero aún no tengo los detalles. Este año he estado un poco desorganizada con las fechas, así que por lo general las confirmo un par de semanas antes, no tengo nada muy concreto para diciembre. Quizás se viene el lanzamiento para mediados de Diciembre, pero todavía no estoy segura.

· Finalmente ¿Cuándo aparece Deshabitar en las disquerías? ¿Pretendes armar una agenda amplia de presentaciones para promocionarlo?

En un par de semanas más (semana del 14), voy a subir el disco para escuchar desde Soundcloud, y otras páginas. Y desde ahí en adelante es probable que esté a la venta en la Tienda Nacional, y un par de tiendas más por definir.

Y sí, me gustaría armar hartas fechas de promoción para el próximo año.

Entérate acerca de más sobre Natisú en @natisumusica , Natisú en Facebook , Ciclo “Mi Casa es su Casa” y escúchela en su Soundcloud

Halloween Musical: Misfits

 

Octubre, el llamado mes del terror gracias a Halloween, la festividad originalmente pagana que los buenos Estados Unidos de Norteamérica se encargaron de propagar en todos los países amantes de su cultura, como Chilito. Algo que empezó como ocultista y mal mirado por el resto terminó siendo sinónimo de dulces, momento familiar y aguando la palabra ‘miedo’. El perfecto paralelo para hablar de los amos del horror cuando de música se trata, Misfits.

Considerados como los papis del horror punk, Misfits aparece en EEUU a finales de los 70, con algo tan etéreo como ‘She’ y ‘Cough/Cool’ que sólo tenían voz, bajo, teclado y batería; Una especie de versión tenebrosa de The Doors. Lo sé, a ustedes eso tampoco les suena a punk. Y la verdad es que Misfits cayó en esa categoría casi por descarte. Fueron metidos al saco de lo extraño (porque lo eran) y de lo que no encajaba (literalmente el significado de ‘misfits’) por tener todas estas letras que hablaban de hechicería, asesinatos, criaturas destinadas a hacer desaparecer a la humanidad y sexo demoniaco. Todo esto, sumado a un sonido crudo, sucio y simple (como en el disco ‘Walk Among Us’ del ’82) que solo encontró cabida en un género que tenía algo totalmente diferente en la cabeza a los monstruos de New Jersey.

Inadaptados

En las viejas formaciones, el batero siempre era el extra ¿Adivinan cual es?

En un principio, Misfits fue comandado por Glenn Danzig, ídolo viviente del punk y el metal (¿Quién mas se hace esa?), principal compositor y exclusivo letrista de los inadaptados. Nutrido por películas de serie B, literatura oscurantista y quien sabe qué caldo que se generó en esa cabeza trastornada, surtió a la banda de algo que sencillamente no existía en la música hasta ese entonces. Remarcables son clásicos como ‘Last Caress’, ‘Halloween’, ‘Astro Zombies’ y ‘Mommy, Can I Go Out and Kill Tonight?’. Es además notable que junto a Danzig, se creara uno de los discos que además ayudaría a definir el sonido del hardcore, ‘Earth A.D./Wolfsblood’ (1983), el último que contaría con la participación del creador del grupo. Dicho disco es probablemente el más oscuro de la banda y de él hablo cuando pienso en ‘demoniaco’ y ‘gore’ dentro de Misfits (‘Demonomania’, ‘Wolfs Blood’, ‘Earth A.D.’).

La Resurrección

Doyle y su visualmente chocante costumbre de no abrocharse el pantalón

Tendría  que llegar 1997 para que el mundo presenciara la resurrección de lo que ya para muchos era una leyenda. Un arriesgado movimiento del siempre hambriento de más ganancias, Jerry Only (bajista, actual vocalista y destructor de la banda), trajo de vuelta a Misfits, lo que para sorpresa y desagrado de muchos, resultó, puesto que le dio al clavo trayendo como frontman a un entonces desconocido Michale Graves. El joven Graves se volvió la nueva voz y letrista de la banda, basándose principalmente en películas de horror, pero con un enfoque algo más blandengue y música orientada a un hardcore completamente oreja. Aun así, la formula resultó entretenida y lograron sacar dos discos ‘American Psycho’ y ‘Famous Monsters’ (1997 y 1999), de los cuales rescato las gozables ‘Lost in Space’ , ‘Shining’, ‘Them’,  ‘Dig Up Her Bones’ y la sangrientamente amorosa ‘Saturday Night’. Lamentablemente, Michale Graves también dejaría la banda, por conflictos con Jerry Only (quien finalmente terminó peleado con cada uno de los miembros).

El cadáver se cae a pedazos

“Chupacabra” es el apodo del batero actual. ¿En serio, Jerry?

Finalmente, el señor Only sigue manteniendo parado a este zombie que llamamos Misfits, a punta de covers de canciones de los ’50 (‘Project 1950’, el tipo no hace ni nombres buenos), caricaturas de lo que alguna vez fue su banda y el punk en general (Osaka Pop-Star and The American Legends of Punk), la ayuda de Dez Cadena (legendario de Black Flag) y su último hit (alarma de ironía), ‘Devil’s Rain’ (2011), un disco que lleva al horror…el horror de escuchar canciones monótonas, el horror de escuchar su voz, el horror de escuchar nada más que falta de creatividad durante 50 minutos.

Han existidos momentos de luz cuando Doyle (guitarra y hermano de Jerry Only, quien también lo odia) y Danzig se han juntado a interpretar sus clásicos, o cuando Michale Graves nos sorprende de vez en cuando con su música (mención especial para su ‘Illusions’de 2007), pero definitivamente no sería posible unir a los elementos rescatables de la banda con quien ahora es el tirano que pela el chancho. Lo que sí es seguro es que aunque tanto Halloween como Misfits pasaron del horror al humor, siempre habrá personas que recordarán qué hay atrás, en las sombras, cuando nadie sale a pedir dulces y las criaturas realmente peligrosas pueden salir a comerse tus entrañas. Como muchos otros, I remember Halloween.

Foxy Shazam: Las hazañas de un hombre peligroso y sus compinches

Imaginen una banda compuesta por lo que básicamente parecen fenómenos de circo, donde suena una guitarra, bajo, batería, piano y trompeta. Esta banda, además, nos arroja mezclas musicales que encuentran sus bases en el rock ‘n roll, la psicodelia, el pop y el punk. Ya empiezan a sonar tan extraños como su nombre, pero falta mencionar algo. Imaginen que científicos lograran clonar y mezclar a Freddy Mercury con Iggy Pop, cruza entre sudor punkie y número de freak show, esa criatura lidera y canta en Foxy Shazam.

The Flamingo Trigger’(2005), el primer disco de Foxy Shazam, nos presentaba una extraña mezcla de sonidos y ritmos que se volvían a ratos rabiosos. Aunque desde ya la voz de Eric Nally llamaba la atención (sin ser tan llamativa como ha llegado a serlo), el disco sonaba a ‘quien mucho abarca poco aprieta’. A ratos te deja un sabor entre The Blood Brothers y alguna banda común de rock-pop (no sé si sería mala mezcla), pero en una propuesta que no llegaba a concretarse a full. A pesar de lo anterior, no desmerezco temas como ‘Sailors Over Rhinausourus Bay’ y ‘Across the Golden Field’ (mezcla entre jazz y lo más pesado que les he escuchado) . Este disco los llevaría a un tour nonstop de 18 meses, de los que se han vuelto característicos de estos chicos y que los han llevado a girar con bandas tan disímiles como The Fall of Troy, Circa Survive y Panic! At the Disco.

Pasaron 3 años llenos de giras y comer cigarros (una gracia que Eric Nally se manda en cada show que ejecuta) para que apareciera ‘Introducing Foxy Shazam’ (2008), que perfeccionó el sonido que los de Cincinnati estaba tratando de crear. Aún faltaban un par de años para que esto pudiese concretarse, pero este disco suena mucho mejor, en cuanto a producción e ideas. No hay tanto desvarío sónico como en su primer intento, pero faltaba tomar toda esa energía y encausarla en algo que sonara como lo que parecía que trataban de hacer. A pesar de que aun parecían buscar identidad musical entre algunos elementos que no pegaban muy bien, rescato canciones que daban pistas de lo que llegarían a ser, como ‘Rocketeer’ o ‘A Dangerous Man’.

Afortunadamente llegó todo de golpe, una nueva década, un trompetista permanente (créanme que fue un cambio), el debut en las grandes ligas y el tremendo LP homónimo de 2010. Este es el disco que me enamoró, el que me hizo querer saltar por toda mi pieza moviéndome como gorila (otra gracia escénica que te transmite Nally) y que me hace pensar que de pronto se va a armar un musical al estilo ‘The Rocky Horror Picture Show’ cuando voy escuchándolo por la calle. Suena como una ópera rock o un disco conceptual, sin ser nada de eso. Si eres de las personas que adora el rock que se caracteriza por ser espectacular y parafernálico, pero ya crees que los viejos iconos han muerto (No nos hagas esto David Bowie), se han vuelto chistes de lo que solían ser (Elton John) o de frentón te agradan los personajes  carismáticos pero te aburre su música (lo siento Queen, la mayor parte de su obra no me mueve un pelo), éste es el disco para ti. Con el dolor de mi alma menciono solo algunos tracks como ‘Wanna Be Angel’, ‘Bye Bye Symphony’ y ‘Oh Lord’, porque el disco entero merece ser escuchado una y otra vez.

Mención aparte son los shows en vivo, donde apreciamos desde acrobacias y locura colectiva hasta pirotecnia bucal e interpretaciones a capella del intro de ‘El Príncpe del Rap’. Así que apúrese y no se quede abajo de la locomotora musical que es Foxy Shazam, vaya a su sitio de descargas disquería favorita, consiga el LP que le apetezca (cof cof, homónimo) y preparase para deleitarse en enero con ‘The Church of Rock and Roll’, su nuevo disco, del cual pueden descargar su primer single (‘I Like it’) desde la página de Facebook de la banda.

La Ola que azota las costas del “Hardcore Norteamericano”

‘The Wave’ (‘La Ola’, en español) es un movimiento musical compuesto por 5 bandas Estadounidenses que desarrollan particulares y originales derivaciones de lo que comúnmente solemos llamar hardcore. En este momento, ustedes lectores, se preguntarán “¿Y qué de novedoso tiene esto?”. Mucho. Dentro de un género en el cual repetir una fórmula (lírica y musicalmente) y quedarse en la zona de confort se ha vuelto la tónica, el tomar elementos clásicos del mismo y darles un aire fresco desde tantos puntos de vista es algo por lo menos notable.

Los elementos de esta tremenda ola de energía y talento son:

Pianos Become The Teeth

Si tuviera que definirlos en una sola palabra, ésta sería ‘contraste’. El constante sonido atmosférico que propone la instrumentación versus el desgarre vocal entregado dejan a Pianos Become The Teeth como los más cercano al post-hardcore (perdonar el ambiguo concepto utilizado) que más fácil resonaría en nuestros oídos dentro de esta ola de bandas. Una especie de post-rock con gritos. No son los que más me han enganchado de la movida, pero no dejo de recomendar su publicación ‘Old Pride’(2009).

Defeater

Una  banda que cuenta historias, derechamente inclinada a crear trabajos conceptuales. Eso es ‘Empty Days & Sleepless Nights’ (2011), LP que nos relata la historia de una familia que se derrumba luego de la post-guerra (WWII), la muerte del  padre, la debacle de una madre entregada a la bebida y la lucha de los hijos  por no perder la batalla del día a día. Detalle especial de Defeater: Incluyen canciones acústicas que actúan como puntos de cambio dramático dentro de la construcción de sus relatos (‘Brothers’, por ejemplo).

Make Do and Mend

Sin duda los más melódicos del conjunto de grupos. Canciones con ganchos y melodías que te agarrarán fácilmente y de seguro mueven al público como locos, acompañadas de una voz rasposa y poderosa que nunca pierde el toque armónico y melodioso dentro de esta mescolanza. Personalmente disfruto el ‘End Measure Mile’ (2010), donde nos dejan sentir la añoranza por mejores días, la valoración de la amistad y la necesidad de escapar de lo que te hace mal en una ciudad.

Touché Amoré

Siendo una de mis favoritas, es la banda que más podrá recordarle al auditor al movimiento ‘screamo’ noventero (piense en Saetia). Honestidad al momento de entregar el mensaje es lo que se me viene a la mente cuando pienso en las letras y la voz de Jeremy Bolm, que se junta como una perfecta simbiosis con el resto de los músicos, siendo capaces de entregarnos un disco tan emocionalmente poderoso como ‘Parting The Sea Between Brightness And Me’, de 13 canciones, en menos de 21 minutos.

La Dispute

Finalmente, mi regalona. Guitarras que trabajan a la par y con destreza semejante a dos manos de un artesano, un bajo preciso y conductor de sus obras y aquella batería potente y creativa que sella esta firma musical que nos ofrece La Dispute. Mención honrosa para Jordan Dreyer, vocalista y escritor del conjunto, quien ha tenido la capacidad de crear obras literarias que rozan la genialidad, con las habilidades necesarias para plasmarlas con sentimiento en su estilo vocal. Puede echarle un ojo a la reseña que escribí de ‘Wildlife’ (2011) http://bit.ly/rlzg61 , que fácilmente se ha convertido en mi favorito de este año.

Aparte de las recomendaciones pertinentes a cada banda, cabe mencionar que este grupo de bandas/amigos poseen incontables colaboraciones entre ellos (splits everywhere), además de estar constantemente girando por EEUU y apoyando a otras bandas similares a ellos (The Saddest Landscape, Title Fight y Balance and Composure son algunas), siempre en el estilo honesto y fraterno (shows en casas por doquier) del que muchas bandas se han jactado, pero pocas lo han practicado como estos muchachos que han bautizado a su arrasador movimiento como ‘The Wave’.

La Dispute – Wildlife (2011)

La Dispute, Wildlife

Una madre que pierde a su hijo en la batalla contra el cáncer encuentra consuelo en su credo. Un padre apuñalado 27 veces por su hijo, encontrando esperanza en la vida misma. La pérdida (la muerte, amigos que se distancian, un amor que se va) y cómo superarla. Por esta interrogante es por donde nos invita a navegar La Dispute durante los 14 tracks que componen Wildlife, el segundo LP de la banda.

Si ya tuvieron la oportunidad de escuchar el primer trabajo de esta banda (Somewhere At The Bottom Of The River Between Vega And Altair), probablemente lo habrán puesto en un altar, y les aseguro que esta esperada nueva entrega no decepciona. Según la banda, el disco cuenta con una idea narrativa como columna vertebral, una colección de historias cortas acompañadas de las notas marginales de su autor. Un viaje entre lo literario y lo musical, el escritor y sus escritos. Encontramos algunas canciones que son meramente historia como ‘St. Paul Missionary Baptist Church Blues’, algunas que son reflexiones de este escritor imaginario (divididas en 4 monólogos, ‘A Departure’, A Letter’, A Poem y ‘A Broken Jar’) y otras que mezclan la historia con anotaciones de quien las va escribiendo como en ‘Edit Your Hometown’.

La música de La Dispute es notable por la pulcritud de su ejecución, su creatividad y las mezclas entre calma y desenfreno que a ratos nos hace pensar en unos Fugazi del nuevo siglo. Esta vez la producción es más trabajada, nos permite escuchar su música con más limpieza que nunca. Guitarras que trabajan a la par, mezclándose y separándose de un momento a otro, un bajo limpio y de sonido grueso que le da cuerpo al disco completo y una batería que soporta el viaje sonoro de Wildlife con una potencia que invitará a los afortunados que presencien ejecuciones en vivo a moverse lo más que puedan en esos apretados shows.

En el contenido lírico de este nuevo disco (y como es la tónica de la banda) tenemos lo más sesudo de estos muchachos de Michigan. Con tremendas historias que dejarían móvil solo a alguien sin alma. Un criminal joven preguntándose si aun podrá entrar al cielo si se mata, al verse acorralado por la policía en un cuarto de hotel (Can I still get into heaven if a kill myself?) en  ‘King Park’; Un padre apuñalado por su hijo en un arranque esquizofrénico, muestra sus cicatrices y cuenta su historia a quien desee escuchar (When you came into the store, did you know you’d show me your scars?) en ‘Edward Benz, 27 times’, encontrando la superación del dolor en el amor de su esposa y su hija, en la vida; Una madre que mantiene un diario acerca de su hijo y su vida carcomida por el cáncer, de como el pequeño está tranquilo en el final y como su madre logra conservar su fe en Dios y superar su muerte  (…kept your faith and held the brightness of life inside the smile of a child you had to bury) en la poderosísima ‘I See Everything’.

Cerca del cierre de Wildlife, en ‘All Our Bruised Bodies and The Whole Heart Shrinks’, Jordan Dreyer (vocalista) resume la interrogante desarrollada en torno al tema de la pérdida, pide al auditor empatía, lo invita a analizar la vida desde la perspectiva de superar los momentos oscuros que todos estamos destinados a sufrir en algún punto (Tell your stories to me / Show your bruises / Let’s see what humanity is capable of handing). Finalmente se retoma de lleno al autor de los escritos y su despedida, su turno de dejar ir, de superar, en ‘You and I in Unison’ (In all those giving up/ In all those giving in/ Until I die I will sing our names in unison).

Muchos son los discos que podrían hablarnos acerca del miedo a la vida y lo malo que encontraremos en ella (justamente el primer LP de La Dispute cae en aquello, lo que nos muestra maduración en este nuevo esfuerzo), pero en pocos vemos a quienes ponen estas ideas en la misión de encontrar la forma de sobrellevar el dolor, de empatizar con quienes los escuchan, de lograrlo con una delicadeza literaria impresionante (realmente se nota que Dreyer tiene tremendas influencias que lo han pulido como escritor) y que todo eso esté magistralmente acompañado por la música, ésta especie de hardcore que se debate entre la tranquilidad, las armonías, los quiebres y la fuerza, coincidiendo con el viaje emocional que nos propone Wildlife.

El album fue lanzado el 4 de Octubre via No Sleep Records y pueden escucharlo en su totalidad en http://ladisputemusic.com/

Angels and Airwaves anuncia fecha de disco y pierde baterista

A la derecha, Atom Willard, el baterista en cuestión.

 

La banda formada por Tom Delonge luego de la separación de blink-182 anunció que su nuevo disco, LOVE part two, saldría al mercado este 11 de Noviembre. Lamentablemente para la espacial banda, horas después, Atom Willard (baterista) anunció via Facebook su retiro de la agrupación. Al parecer el ex-The Offspring habría salido en términos amigables, lo que se puede notar en sus palabras: “Han sido 6 años y me siento privilegiado de haber trabajado con estos musicos que llamo mis amigos. A pesar de que los extrañaré, es una separación amigable y estoy ansioso por este nuevo capítulo en mi vida. Sinceramente les deseo a los muchachos mucho éxito en el futuro”.

AVA ha estado trabajando en este cuarto disco y a la vez promocionando el lanzamiento de una película creada por ellos mismos, “Love”. ¿Será este nuevo trabajo una nueva victima de las acusaciones de falta de originalidad y de estar demasiado influenciado por U2? Sépalo el próximo mes.